Un calendrier des arts décoratifs du XIXe siècle 2/2

Seconde partie du calendrier de l’avent que j’avais déroulé sur Twitter en décembre 2020. Vous trouverez des liens directs vers les tweets sur les dates, pour voir plus de photos ou pour réagir.

13 décembre : chaire à prêcher de la basilique Sainte-Clotilde, Paris (7e arr.), dessinée par Michel Liénard, chêne sculpté et doré, 1856-1857

Photo S. Derrot

Sobriété en ce dimanche, avec les débuts du néo-gothique religieux à Paris : quand cette église a été construite (1846-1857), il n’y en avait aucune autre de ce style dans la capitale. Le chantier fut d’abord confié à l’Allemand François-Christian Gau… Comme pour toutes les nouveautés, il y eut débats, âpres, sur le choix du style et son interprétation. Le XIVe siècle, c’est sympa, mais là, c’était quand même un peu froid. Pour détendre l’atmosphère, Prosper Mérimée lança en commission l’expression « style gauthique ». Bref, Gau meurt en 1853 et Théodore Ballu le remplace, chargé de rendre tout ça un peu moins sec #pasfacile. Il fait ce qu’il peut, s’aidant de la sculpture, du vitrail et de l’ornement. À la toute fin du chantier, on meuble : vient prendre place dans la nef la chaire à prêcher, dont la sobriété et les formes réfléchissent le monument lui-même. Dessinée par Liénard, elle est sculptée par lui-même et par Jouffroy pour les figures. L’effet est plus chaleureux de près, avec un effet de mosaïque dorée, des frises végétales et de fins motifs architecturaux, mais tout en restant dans un gothique pas hyper fun, il faut bien l’avouer. SAUF quand on remarque un truc… Là, en bas de la cuve, le bois prend vie : les portraits des hommes qui ont participé à l’entreprise sont figurés à chacun des coins ! Nous rencontrons donc Liénard (qui ne s’est pas flatté), mais aussi Ballu, les menuisiers et sculpteur, et les inspecteurs du chantier. Le banc d’œuvre assorti à la chaire a hélas disparu, mais pas le reste, notamment les stalles, dont Liénard a donné le modèle. Ça ne suffit pas à rendre Saint-Clotilde l’église la plus chaleureuse de Paris, mais saluons l’effort et le jalon dans l’architecture religieuse parisienne.

14 décembre : coupe, par Jean-Valentin Morel, 1854-1855, collection particulière, jaspe sanguin monté en or émaillé, camées, 28 cm. Passée chez Sotheby’s en 2003

Pour être honnête, j’avais prévu de vous montrer la coupe en lapis-lazuli que Morel réalise pour H. T. Hope, montrée à Londres en 1855, mais impossible de trouver sa trace (et juste une photo en noir et blanc à l’expo L’Art en France sous le Second Empire, 1979). Celle-ci est bien aussi, réalisée pour le duc de Luynes, une autre pointure du monde des collectionneurs depuis son château de Dampierre, mécène plus que généreux… Objets d’intérêt depuis l’antiquité, les morceaux exceptionnels de porphyre, jaspe, cristal de roche, agate, sardoine, etc., sont parfois montés en orfèvrerie. La collection de Louis XIV en était particulièrement bien pourvue (et celle du Louvre aujourd’hui). Orfèvre, lapidaire, émailleur, très branché Renaissance, Jean-Valentin Morel se fait une réputation dans les pierres dures montées, surtout au début des années 1850, lors de son exil anglais (long story). Le duc de Luynes lui en commande d’autres. Dans les années 1840-1850, la référence aux modèles Renaissance marche bien et les pierres dures sont à la mode. Froment-Meurice en donne une magnifique avec sa Coupe des vendanges (il y en a une au Louvre et on la voit dans cet intérieur de la princesse Mathilde). Ce qui me fait vibrer, c’est incontestablement les montures émaillées et leur parenté avec les SUBLIMES bijoux Renaissance ; Écouen en a tout une salle. L’intérêt historique pour les pierres dures a fait l’objet de plusieurs articles : D. Alcouffe pour celui de Marie-Antoinette ; S. Castelluccio pour celui du Grand Dauphin. Le musée du Louvre avait un mini-site sur celles de Louis XIV, mais c’est fini, hélas, il ne reste que cette page. J’ai eu l’occasion de vous parler de Jean-Valentin Morel en 2021 lors d’une conférence des Trésors de Richelieu à l’INHA, la vidéo est ici.

15 décembre : bonheur-du-jour, Alphonse Giroux, tilleul, bois de rose, plaques de porcelaine peinte, 1855, château de Compiègne

Photo RMN-Grand Palais (domaine de Compiègne) / Franck Raux

La maison Giroux est une dynastie dont le succès fleurit dès 1799 et qui touche le plus haut (par exemple Louis XVIII, avec ce carrosse d’or offert aux enfants d’Orléans, à Carnavalet, ou Charles X), comme fournisseur d’étrennes notamment et de petits cadeaux luxueux. Anecdote : Giroux père est le détenteur en France du brevet pour le kaléidoscope, qui fait fureur à la fin des années 1810 ! 2e coup : il distribue les premiers daguerréotypes à partir de 1839 ! La 2e génération plaît au Second Empire, avec une orientation davantage ébénisterie et tabletterie, qui trouve évidemment sa récompense avec l’achat par l’impératrice Eugénie de ce bonheur-du-jour à l’Exposition universelle de 1855, pour Compiègne1. Point vocabulaire : « tabletterie » : production (et vente) des petits objets chics et chers, souvent pour cadeaux ou décoration : coffrets, jeux, éventails, tabatière, etc., en bois, en ivoire, marquetterie. Un bonheur-du-jour est un meuble féminin (oui) constitué d’une table, souvent à tiroir, et d’une petite partie haute en armoire ou rangement. Il sert de secrétaire ou de coiffeuse. Se détachant des modèles XVIIIe (même s’il reste les plaques de porcelaine peintes), le style joue ici à fond sur le trompe-l’œil, selon une vogue des années 1840-1850 qui voit les branches noueuses, les feuillages et les petits animaux envahir le mobilier. Cet intéret pour un ornement au naturalisme très poussé est une lame de fond, jusqu’à l’Art nouveau. On l’a vu dans le papier peint ou l’orfèvrerie, mais la mode des jardins d’hiver participe aussi sans doute de cet esprit. On a vu à la vente Polo de 2016 2 autres exemples de 1855, extrêmes, de Guéret et Tahan. Un jour, je ferai un article sur ce sujet du naturalisme extrême dans les arts décoratifs du XIXe siècle (parce qu’il y a beaucoup de choses à en dire !). Il y a eu un mémoire de l’Ecole du Louvre sur le sujet (1990).

16 décembre : collier, Alexis Falize, émaux cloisonnés et or, vers 1867, Victoria and Albert Museum

Photo V&A

Nous sommes à Paris, en 1867, c’est l’Exposition universelle, où le Japon présente pour la première fois un pavilllon national. L’influence artistique de ce pays a déjà commencé depuis quelques décennies, mais c’est vraiment le moment de la déferlante du japonisme. Alexis Falize a fondé sa maison en 1838, il fréquente le critique Philippe Burty, le céramiste Théodore Rousseau et s’imprègne des modèles japonais. Achat récent du MAD : cette magnifique édition des Émaux cloisonnés de Burty, 1868. Falize cherche surtout à trouver les bonnes couleurs, qu’il souhaite plus vives que celles de ses modèles, en travaillant avec l’émailleur chevronné Antoine Tard (résurrecteur des émaux cloisonnés). Une fois trouvées, il lance une production de bijoux variés et de petites boîtes choupies. Le V&A conserve un autre collier de Falize et Tard, dans le même style, avec sa parure. On aime : ils sont réversibles ! Les 2 côtés sont émaillés. Moi qui pensais naïvement Falize incontournable, je suis surprise par le peu de choses que l’on trouve en ligne (même pas d’article Wikipedia ! Il va falloir y remédier). Il y a eu une thèse allemande sur les Falize (1996) et l’ouvrage de K. Purcell (1999).

17 décembre : plat, Théodore Deck, faïence, diam. 49,5 cm, v. 1873, Walters Art Museum

Photo The Walters Art Museum, by CC

Comment évoquer le japonisme sans montrer un peu de céramique ? À cette même Exposition de 1867, le « service Rousseau », dessiné par Félix Bracquemond, fait sensation avec ses formes classiques contrastant avec un décor varié inspiré des estampes japonaises. L’Alsacien Théodore Deck fonde lui sa fabrique en 1858. Il rencontre le succès jusqu’aux années 1880 avec son néo-Renaissance et surtout du persano-inspiré (ah, Iznik), expérimente avec acharnement dans le domaine de l’émail, avec succès et déconvenues… Avec le baron Davillier, Deck donne en 1862 sa version du « vase de l’Alhambra », un des topoï des arts décoratifs du XIXe siècle. L’original est au V&A, mais le MAD en a un aussi. J’aime particulièrement ses grands plats ronds plus inspirés par le japonisme, où de belles fleurs presque fin-de-siècle se détachent sur des fonds unis ou à petits motifs, avec un délicat jeu de couleurs complémentaires, comme cette assiette du Walters. Deck devient directeur de la manufacture de Sèvres en 1887, 4 ans avant sa mort. Sa carrière est pleine de collaborations et d’élèves, notamment Edmond Lachenal, auteur de la fascinante soupière aux carpes de Sarah Bernhardt vue l’an dernier à la galerie Vauclair. Deck a aussi travaillé avec la peintre et céramiste Camille Moreau-Nélaton, ici dans la lignée du service Rousseau, entre naturalisme et japonisme. À force d’expérimenter sur les émaux, Deck met au point le « bleu Deck », un turquoise très vif, difficile à oublier. Cette couleur orne même sa tombe, au cimetière Montparnasse ! Son ouvrage sur la faïence est sur Gallica. Le musée Borely à Marseille a une très belle salle de pièces de Deck et il existe un musée Théodore-Deck dans sa ville de naissance, Guebwiller.

18 décembre : pendule, d’après Jehan Du Seigneur (« L’Archange saint Michel vainqueur de Satan, annonce le règne de Dieu »), Louis Soyer, bronze, 69,5 cm de haut, 1834-1843, musée du Louvre

Photo RMN-Grand Palais (musée du Louvre) / Daniel Arnaudet

Aujourd’hui, binge-watching d’un des objets les plus caractéristiques des intérieurs du XIXe siècle : la pendule. À poser de préférence sur un manteau de cheminée, très souvent accompagnée de ses indispensables candélabres. Cette pendule est typique de « l’objet d’art pratique » : non seulement vous avez une sculpture exposée au Salon, mais en plus, vous avez l’heure. Duseigneur, c’est la veine sculpture-romantique-mystique, c’est ce Roland furieux du même Salon de 1831. Quant à Louis Constant Soyer, c’est un bronzier très apprécié, fondeur d’une partie de la colonne de Juillet et des bronzes du tombeau de Napoléon. À ne pas confondre avec Paul Soyer, peintre émailleur, qui lui aussi nous a laissé de fort jolies pendules. La pendule, Élodie Voillot en parlerait mieux que moi, est alors un objet d’une diversité folle. On l’aime beaucoup parlante, avec des scénettes édifiantes ou nos grands rois débonnaires mais glorieux (points de charisme habituels pour François Ier et Henri IV). Mais la pendule à la mode peut aller très très loin. Il y eut bien entendu la vogue de la pendule à la cathédrale, tout en lancettes et en trilobes, qui fait tictac sur Victor Hugo, et dont le MAD a un très bel échantillon. Les orientalismes de tout poil ne laissent pas la pendule de côté, avec un goût pas toujours très subtil, mais très bien réparti sur tout le siècle – et géographiquement ample et fantasmatique. Comme Du Seigneur, les artistes donnent des modèles de pendules, parfois avec brio : voir, sur des thématiques similaires et sans surprise, Albert-Ernest Carrier-Belleuse en 1863 (dont le Met conserve la pendule et le dessin), ou Gustave Doré en 1879 (au MAD). Mais ce qu’on préfère : quand la couleur se lâche, c’est la fête de l’émail et des pierres incrustées, avec les rois F.-J. Rudolphi et sa fougue (1844), Lucien Falize (le fils) et une Renaissance médiévale tardive (1881, un beau dessin), et Émile Reiber et son japonisme (1873). Si vous êtes encore là, il reste le matériau qui donne TOUT dans la pendule : la céramique ! Du Sèvres chic aux porcelaines plus… au-delà des mots.

19 décembre : fontaine Saint-Michel, Gabriel Davioud et alii, 1860, Paris, 5e arrondissement

Photo S. Derrot

Le Paris haussmannien, ce sont les grandes percées, les parcs, l’eau, les égoûts, mais aussi… l’ornement urbain. I. e. le mobilier (coucou les fondeurs de Haute-Marne), les façades harmonisées, les fontaines. Même si tout cela n’a pas commencé en 1853, hein. Parmi ceux qu’Haussmann apprécie se trouve l’architecte Gabriel Davioud, qui nous a laissé la place de la République, les théâtres du Châtelet, la mairie du 19e arr., et plein de fontaines. C’est à lui aussi que l’on devait le défunt palais du Trocadéro. L’aménagement de la place Saint-Michel est une gageure : en contrebas du pont – mauvais pour la monumentalité – et avec un cauchemar architectural : un grand angle plein nord. Davioud aurait voulu une fontaine au milieu de la place, classique, mais Haussmann dit non. Deux idées pour équilibrer cet immense pignon mal équilibré (26 x 15 m quand même) : une abondance de sculptures (c’est le moins que l’on puisse dire) et la polychromie. Pour l’harmonie, Davioud dessine toutes les façades des immeubles autour. Quatre niveaux d’éléments sculptés : 1. deux monstres ailés encadrant le bassin, 2. quatre colonnes de marbre rouge du Languedoc, bronzes et niche au saint Michel terrassant Satan (on passera sur la dimension politique des bronzes), 3. quatre Vertus et un bandeau d’ornements, 4. plaque et fronton. Liénard a donné les modèles des frises sculptées du niveau de la niche, avec des cordelettes très Louis XIII, des coquilles et les initiales de saint Michel. Commencée en 1858, la place Saint-Michel est inaugurée le 15 août 1860. Et pas vraiment bien reçue. Volée de bois vert #ouinouin : pas de références à l’eau dans les ornements, c’est trop haut, ya trop de trucs on voit rien, la couleur ça fait mal aux yeux. UN élément suscite particulièrement l’ire de la critique, au point d’avoir disparu aujourd’hui : le panneau initial du bandeau des Vertus, géométrique et polychome. Là Haussmann cède et le panneau est remplacé en 1863 par un rinceau à putti un peu planplan de la sculptrice Claude Vignon. Je ne sais pas trop pourquoi mais j’aime bien cette fontaine : elle se fond dans la place tout en ayant un petit caractère wtf qui me plaît, fourmillant sans trop de majesté, frustré mais puschy. La pollution a hélas noyé sa polychromie (comme celle de l’opéra Garnier). Il y a un dossier sur l’aménagement de cette place, aimablement numérisé par la Bibliothèque de l’Hôtel de ville et un bel article de G. Alessandri dans les LHA.

20 décembre : toilette de la duchesse de Parme, François-Désiré Froment-Meurice et alii, 2m45 x 2m, 1847-1851, musée d’Orsay

Photo Musée d’Orsay, Dist. RMN-Grand Palais / Patrice Schmidt

Qu’est-ce qu’une toilette ? C’est l’équivalent d’une coiffeuse et l’ancêtre de notre meuble de salle de bain, avec tout ses accessoires. Mais beaucoup plus chic. On (un « on » généralement féminin) s’y lave, coiffe, maquille, pare. La toilette prend place dans la salle de bain (pièce luxueuse au XIXe), comme ici chez l’impératrice à Fontainebleau, ou dans la chambre, comme celle préparée pour Victoria lors de sa visite de 1855. Notez l’amour d’Eugénie pour les tables à froufrous (ici celle de Compiègne). Notre toilette est elle un cadeau des dames légitimistes à Louise d’Artois, sœur du comte de Chambord, pour son mariage avec Charles de Bourbon, le prince héréditaire de Lucques, futur duc de Parme. D’où le nom de la toilette. Livrée avec un joli livre listant les participantes. En passant, il nous reste de la mère de Louise d’Artois, la duchesse de Berry, cette fascinante toilette en cristal (qui fait de la musique !), au Louvre. Notre toilette est composée d’une table, un grand miroir à poser, 2 candélabres, 2 coffrets, une aiguière et son plateau. D’après des dessins, il y eut d’autres objets offerts selon le même thème décoratif : le lierre (la fidélité), les lys (la royauté) et les roses (le mariage). Le mariage a lieu en 1845, la première exposition de la toilette (partielle) a lieu en 1849, elle est livrée terminée en 1851. Il faut dire que c’est un beau morceau d’orfèvrerie, démentiellement raffiné dans ses détails. Félix Duban aurait donné la première idée (et après basta). Sur les coffrets, dans l’idée de châsses médiévales, figurent des pages aux angles et 10 figures de femmes illustres pour chacun, peintes sur émail. Ailleurs, c’est plus anges et putti. Pour le reste, tout n’est que bronze argenté ou doré, argent niellé, émail, grenats, émeraudes. La fine fleur des collaborateurs de Froment-Meurice participe : Liénard (évidemment), mais aussi Geoffroy-Dechaume et Jean Feuchère, les frères Sollier pour les émails. Plusieurs pièces variantes seront produites, devant le succès, notamment de l’aiguière et du bassin. J’aurais pu tenir 24 jours sur François-Désiré Froment-Meurice, c’est une star, internationale, des années 1840-1850 : les cadeaux officiels, les grandes Expositions (ici en 1849), l’orfèvrerie religieuse, les bijoux, rien ne lui résiste. La référence sur Froment-Meurice : le très beau catalogue de l’exposition Trésors d’argent, qui a eu lieu en 2003 au Musée de la vie romantique.

22 décembre : bouteille, dessin attribué à Christopher Dresser, pour la manufacture Minton, porcelaine émaillée, 19,4 cm, v. 1862, Metropolitan Museum

Photo Metropolitan Museum

C’est par Olivier Gabet que j’ai découvert Christopher Dresser, plutôt connu aujourd’hui avec des choses plus propres à satisfaire l’œil victime des crimes de l’ornement du XIXe siècle. (sur ses théières !) Mais ses céramiques sont plus marquées par ses recherches sur l’ornement, notamment persan, japonais et végétal (et plus datées, du coup, sans doute) – dans le même goût, incontournable Owen Jones et sa Grammaire de l’ornement, en 1856. Ce que j’aime dans cet objet, c’est sa forme pansue, certes pas une forme nouvelle, mais il me semble que la « bouteille » est très utilisée au XIXe, sans doute boostée par la mode orientale (Chine et Perse réunies). Ici un joli assortiment par le V&A. Le Met en conserve une belle collection, avec des pièces de Minton assez impressionnantes, plus trapues vers la fin du siècle (cette paire est de C. Dresser à nouveau, mais plus tardive, v. 1870-1880). Les Français ne sont pas en reste et l’on voit bien d’où vient l’inspiration, avec ces « bouteilles persanes » et ces créations d’Eugène Collinot et J. Vieillard. J’aime aussi ces bouteilles à la panse plus ou moins applatie, au décor qui part en vrille : celle de F.-D. Froment-Meurice et J. Wiese, 1851, au V&A (et sans doute Liénard) ; celle de Jouhanneaud et Dubois, v. 1843, Limoges ; et celle de J.-J. Carriès, v. 1890, Met, #pasdutoutmalaisante. Pour finir, un grand écart offert par la porcelaine anglaise : une délicate bouteille de la manufacture Doulton, v. 1878-1882, au Met, et une exhubérante bouteille à bouchon de la manufacture Derby, 1822-1842, au V&A.

23 décembre : borne jardinière, appartements dits Napoléon III, bois et velours, 1859-1861, musée du Louvre

Photo © 1997 Musée du Louvre / Martine Beck-Coppola

Ah, les appartements Napoléon III : avec le décor du palais du quai d’Orsay, le dernier vestige du décor officiel du Second Empire. Cette borne m’a marquée dès ma première visite : le doré, le velours rouge, les palmiers qui contrastent de leur couleur et de leurs lignes… Cette borne prend place au milieu du salon-théâtre, qui porte parfaitement son nom, avec ses motifs arlequin, sa loge de musiciens, ses lambris en carton-pierre, ses peintures décoratives imitant de marbre, son décor doré total pensé par Achille Fould et l’architecte Hector Lefuel. (Note : Achille Fould, ministre d’État entre 1852 et 1860, a pris une grande part dans la conception du décor. Mais las, c’est son successeur, le comte Walewski, qui l’inaugurera et en profitera !) Le mobilier fait partie de l’effet de cette pièce entièrement dédiée à la grande réception : l’énorme borne centrale, évidemment, mais aussi les chaises volantes dites charivari, les confidents, les indiscrets, l’infinie variété du siège Second Empire parfaitement représentée ! À côté de tout cela, les grosses consoles Louis XIV font un peu l’effet de duègnes qui surveillent les jeunes filles du bal (elles sont inspirées de celles du duc d’Antin à Versailles). Le mobilier des appartements de ce qui est alors le ministère d’État est a priori largement conçu et réalisé par Alexandre-Georges Fourdinois, grande maison de l’ébénisterie du siècle (ici à l’Exposition universelle de 1851). La Monarchie de Juillet et surtout le « spectaculaire Second Empire » sont de très bons clients de bornes, plus ou moins monumentales : ici chez le duc d’Orléans, et celles du château de Ferrières n’avaient pas l’air trop mal non plus. J’ai ensuite découvert les charmes un peu différents de la salle à manger et de l’antichambre de ces mêmes appartements, mais c’est une autre histoire… (sans borne !)

24 décembre : vase dit de la Renaissance, Aimé Chenavard et la manufacture de Sèvres, porcelaine, bronze, pierres de verre, 152 cm, vers 1835, musée du Louvre (dépôt du Mobilier national)

Photo RMN-Grand Palais (musée du Louvre) / Stéphane Maréchalle

Chenavard, ornemaniste père du néo-Renaissance, recommandé par Ingres, commence par donner à Sèvres le modèle du Vitrail de la Renaissance (ou « Vitrail des inventions, découvertes et travaux qui ont signalé l’époque de la Renaissance entre 1450 et 1550 »). Aguiché, Brongniart (l’administrateur de Sèvres) lui commande alors un vase et Chenavard relève le défi, ambiance très galerie François Ier de Fontainableau ; des dessins en sont conservés à Sèvres et Chenavard tire de ses recherches de gravures pour son Album de l’ornemaniste. Le vase fera sensation à l’exposition des Produits de l’industrie française de 1832, où il est encore la seule pièce Renaissance exposée ! Les débats autour de cette nouvelle esthétique prennent même une dimension politique… Cette première version du vase est conservée à Fontainebleau (cf. ce tweet où on le voit démonté !) et une autre en bronze doré, posthume, au MAD. Je préfère les coloris de la version du Louvre, parce que j’ai un gros faible pour le rendu velouté du blanc (qui va très bien avec ce bleu et le doré). Sèvres aime faire des jeux « Cherchez l’oeuvre » sur les panses de ses gros vases, celui-ci n’y échappe pas. Les voyez-vous ? En 1835, le vase de Chenavard est exposé avec un autre « vase de la Renaissance », de Fragonard, plus bling-dôray. Chenavard est très prolixe de modèles du même style : il donne aussi cette belle coupe ou bien ces jolis « vases flamands ». Pour en savoir plus : voir évidemment le riche article d’Anaïs Alchus dans Revivals, « L’invention du style Renaissance, Claude-Aimé Chenavard et les vase de la Renaissance ».

25 décembre : joyeux Noël ! J’espère que cette petite plongée dans les arts décoratifs du XIXe siècle vous a plu, sinon intéressé.

Buire de Blois, A.-E. Carrier-Belleuse, A. Rodin, Sèvres et alii, porcelaine émaillée, rehaut doré, 41,7 cm, 1883-1884, MAD

© Les Arts Décoratifs, Paris / photo : Jean Tholance
  1. Nicolas Personne a aimablement signalé qu’Eugenie s’en était débarrassé lors d’une vente de charité en 1864 et que le meuble avait été racheté par Compiègne en 1959. []

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