Un calendrier des arts décoratifs du XIXe siècle 1/2

J’ai posté sur Twitter, au mois de décembre 2020, un calendrier de l’avent proposant une pièce d’art décoratif par jour, toutes datées entre la Restauration et le tout début du XXe siècle, et majoritairement françaises. Plus qu’une démarche scientifique (même si cela a exposé des idées que je croise durant mes recherches), il s’agissait plutôt d’une entreprise de médiation, suivant largement mon goût personnel. J’ai en effet toujours l’impression que les arts décoratifs de la période 1820-1880 sont assez peu connus, coincés entre la caricature, les fastes du Premier Empire et l’Art nouveau, même si des expositions récentes ont insufflé un peu de nouveauté, comme Paris romantique au Petit Palais (2019), Spectaculaire Second Empire au musée d’Orsay (2016), ou bien les deux expositions Louis-Philippe à Versailles et Fontainebleau. Sans pouvoir y passer un temps considérable, j’ai essayé de respecter les équilibres entre domaines, époques, voire entre institutions de conservation ou sites marchands. Sur ce dernier point, il faut souligner la difficulté à trouver une iconographie utilisable, même dans ce domaine où les pièces en elles-mêmes sont libres de droit, et même en puisant dans les institutions françaises – où les choses bougent mais très lentement.

Il ne s’agit bien sûr pas d’épuiser chacun de ces nombreux sujets, qui bénéficient pour certains d’une belle historiographie, pour d’autres qui sont encore largement à défricher. J’ai tenté de proposer quelques ressources, en ligne ou bibliographiques, et quelques exemples complémentaires et/ou contextuels pour chacune des pièces. Certains thèmes seront très probablement approfondis dans des articles sur ce carnet.

La navigation dans les archives d’un compte Twitter étant ce qu’elle est, je vous propose ici ce parcours, qui a pu engendrer d’intéressantes remarques sur certaines pièces de la part d’autres personnes. Le ton, la syntaxe et le côté lapidaire du propos proviennent de ce que ce contenu a été rédigé spécifiquement pour Twitter.

1er décembre : médaillier Triomphe de Mérovée, dessiné par Jean Brandely, produit par Charles-Guillaume Diehl, avec un bas-relief d’Emmanuel Frémiet, 1867, Metropolitan Museum de New York

Photo Metropolitan Museum (New York)

Aucun canon stylistique (« néo-gaulois » ?), tout est dans les détails, c’est fascinant : les magnifiques têtes de boeufs sous leurs jougs marquetés dans les coins hauts, les sabots en bas, le trophée d’armes gauloises, les reptiles grouillant, l’étoile au sommet, tout ça pour… évoquer le roi Mérovée et sa (participation à la) victoire de 451 contre les Huns aux champs Catalauniques, placée comme une borne majeure du roman national de Napoléon III. En fait, évidemment, c’est un peu moins clair que ça, mais passons. (à noter : le musée d’Archélogie nationale donne en ce moment une expo sur Napoléon III et l’archéologie) Vous remarquerez que les bœufs prennent presque plus de place que les valeureux Gaulois, c’est un peu normal : Frémiet est un beau spécialiste de sculpture animalière (mais c’est un autre sujet). Le meuble illustré ici est celui conservé au Met, que Diehl a fait faire pour lui-même, alors que le prototype exposé à l’Exposition universelle de 1867 est au musée d’Orsay (mais no comment sur la qualité des images).

2 décembre : assiette issue du service du prince Jérôme, manufacture de Sèvres avec une scène centrale par Jules Diéterle, 1854-1856, 24 cm, présentée alors en ligne à Fine Arts Paris par la galerie Royal Provenance

Photo galerie Royal Provenance

Parce qu’on regrette vraiment la disparition de la maison pompéienne de l’avenue Montaigne, caprice princier imaginé par Jérôme avec la comédienne Rachel (sa maîtresse) et Théophile Gautier (qui en a fait un opuscule). Construite en pleine vogue du néo-grec Second Empire, ce bijou revival eut hélas une vie aussi courte que cet avatar frêle du néo-classicisme : terminée en 1860, elle est vendue en 1866 (et détruite en 1891). Pour avoir une idée de la pompéinité de la chose, il nous reste les beaux dessins de l’architecte, Alfred Normand (au MAD), et des photos, par Normand ou Ambroise Richebourg. Quant au service, Jules Diéterle est une des stars de Sèvres, dans le style mignard des années 1850-1880. Si vous voulez en savoir plus, vous pouvez consulter l’ouvrage Second Empire & IIIe République : de l’audace à la jubilation (2008).

3 décembre : Mois de Marie, maison Gruel-Engelmann, reliure en poirier sur velours dessinée par Michel Liénard, sculptée par Pâris, émail par Claudius Popelin, v. 1856, 15 x 11 cm, Bibliothèque nationale de France

Photo BnF

On aime : la délicatesse de la sculpture du bois, les incursions néo-auriculaires, les cabochons en lapis-lazuli, rappel subtil du velours et des tranches. Cette pièce n’a pas d’ornements de dos et un plat inférieur très sobre, tout le show est sur le supérieur ! Cette reliure fait partie d’une mode au milieu du XIXe, la reliure « d’étagère » ou « par adjonction », fort décriée par les bibliophiles et les historiens du livre, mais très appréciée pour les cadeaux des gens chics (au choix mariage, baptême, communion, étrennes). Gruel-Engelmann s’était fait une spécialité du bois, on en a eu un autre exemple avec la reliure achetée par Compiègne en 2016 – ce dernier modèle a également existé en argent et il est aussi de Liénard, le MAD en conserve une jolie étude préparatoire. Mais il en subsiste davantage de la catégorie grand luxe, en orfèvrerie, par Falize ou Wiese, qui rappelleront des souvenirs aux médiévistes et modernistes. Le couple impérial en avait même plusieurs ! Ces reliures sont mal connues mais des exemplaires passent très régulièrement en vente, ce qui tend à montrer qu’il y a vraiment eu une production assez importante, avec un éventail qualitatif assez large. J’avais écrit sur cette reliure dans le Bulletin du bibiophile, disponible sur HAL.

4 décembre : Jardin d’hiver, papier peint, manufacture Jules Desfossés, dessiné par Edouard Müller, 1853, 3,28 x 2,18 m, ici exemplaire du MAD

Photo MAD (Paris)

La manufacture Jules Desfossés a produit à partir de 1851 des papiers peints absolument charmants, qui ne semblent pourtant étonnament pas faire partie de notre imaginaire de l’intérieur XIXe. Leur richesse et leur diversité ne laissent pourtant pas de surprendre… Vous aviez le choix entre une nature domestiquée, comme le Jardin d’hiver ou le célèbre Jardin d’Armide, dont il y a des exemplaires au MAD ou à Orsay, et qui est aussi passé en vente en janvier dernier… mais qui existe aussi en neuf ! Mais vous pouviez évidemment parer vos murs de vases Louis XV (ici et , conservés à Forney) ou d’ogives gothiques. Voire, si vous vous sentiez seul·e, de décors plus originaux, comme ce Fénelon ou ce drama Renaissance (MAD). Mais ce dont on est vraiment fan, ce sont les papiers peints panoramiques et leur pouvoir de dépaysement : habiter dans un jardin exotique, sur la banquise, au milieu des Trois Glorieuses ? Aucun problème. Ceux de Zuber (fondée en 1790) se vendent toujours ! Merci le revival des papiers peints, vous pouvez vous aussi déconfiner votre studio parisien avec le Brésil ou l’Eden de Desfossés #distanciationpaysagère (j’en rêve) Pour en savoir plus : le magnifique livre Murs de papier aux éditions de la BnF, le catalogue de la belle et frustrante expo du MAD de 2016, voire la thèse de B. Jacqué (Lyon 2003) dont des extraits sont en ligne.

5 décembre : plaque de porte en fonte peinte, dessinée par Michel Liénard, société Durenne-Val d’Osne, v. 1850-1870, ici 19 rue des Blancs Manteaux, dans le 4e arr. de Paris

Photo S. Derrot

Nous vivons dans un paysage XIXe sans toujours le noter (et pas qu’à Paris, loin de là !) : balustrades, fontaines, lampadaires, bancs, lambrequins, portes, autant d’élément tout droit issus de la florissante industrie de la fonte décorative de la Haute-Marne ! (oui, ceci s’appelle un lambrequin, il en existe pour tous les goûts et ça cache élégamment le store) Parmi les fondateurs, J.-P.-V. André et Henri Barbezat à la fonderie du Val d’Osne, ou Antoine Durenne montent des entreprises qui vont inonder le monde de fonte française en s’appuyant sur les beaux noms de l’ornement #MadeInFrance. Leurs gigantesques fontaines sont parmi les stars des Expositions universelles (ici à Paris en 1855, ou aujourd’hui au Chili !) et deviennent des best-sellers internationaux, mais leurs catalogues sont beaucoup plus étendus ! J’aime bien ce modèle de plaque, assez fréquent, qui existe avec une tête de lion, de tigre ou un médaillon vide, et que je pense inspiré des reliures à entrelacs du XVIe siècle. On en a un dessin préparatoire au MAD et on le retrouve dans les catalogues de Durenne durant une longue période. Vous verrez ces plaques de porte en fonte partout, avec certains modèles qui reviennent très souvent. Le choix se faisait sur catalogue, avec des options possibles, ce qui explique certaines variations dans les détails. Les archives de l’entreprise ont hélas disparu, mais une association, l’ASPM, fait vivre le nom et l’histoire des fonderies du Val d’Osne, et constitue une base de données. Un article pour aller plus loin : Jean‑Paul Zitt, « Les débuts de la fonte ornementale en France, de l’Empire à la monarchie de Juillet », dans Les Cahiers de l’École du Louvre [En ligne], 1 | 2012.

(Moment VIP Paris : un des piliers du Val d’Osne, Mathurin Moreau, est maire du 19e arrondissement entre 1879 et 1912 ! Une avenue porte encore son nom. Comme quoi, les arts décos mènent à tout.)

6 décembre : lit en nacelle, par François Baudry, 1827, bâti de peuplier, placages en foule (et une estrade livée avec), MAD

Photo MAD/Jean Tholance

J’adore ce lit, on dirait une baignoire chaude, un cocon harmonieux, il n’a aucun angle, et la Restauration maîtrise le placage de loupe comme aucune autre époque. Pinâcle de l’histoire mobilière, le XIXe pousse le statut du lit comme meuble de parade au bout : on en fait en fonte, en papier mâché, mais les stars du siècle sont ceux où Mme de Récamier reçoit, où Eugénie se prend pour Marie-Antoinette et où Valtesse de la Bigne officie. Le lit de Baudry est un chef-d’œuvre technique par sa forme, présenté à l’Exposition des produits de l’industrie de 1827, reproduit par la presse de l’époque et récompensé par une médaille ! Hooray pour le jeune ébéniste ! Pour en savoir plus : le lit et le reste étaient présentés à l’expo Un Âge d’or des arts décoratifs (1991) et ont de belles notices dans le catalogue. Il y a eu un In-Situ très riche sur le sujet des lits.

7 décembre : coffret, Médard Mention et Charles Wagner, vermeil, émail, pierres, etc., 1832-1838, 21,5 x 26 x 19 cm, galerie Neuse

Photo Galerie Neuse

Ah, les souvenirs émus de la présentation de ce bijou à Drouot en 2017… puis à l’expo de la galerie Aveline sur les chefs-d’œuvre d’Expositions ! Charles Wagner fait partie des orfèvres les plus importants de la période : issu de la cohorte d’Allemands qui s’installent à Paris et font la gloire des arts décos français, il a une clientèle huppée, les chefs d’oeuvre, le néo-Renaissance, tout ce qu’il faut. Wagner fait techniquement avancer le domaine, avec la nielle (grosse concurrence avec la Russie) et l’émail, et il a un rôle majeur dans le renouveau du bijou. Alors ce coffret fait quasiment office de démonstration d’habileté, avec TOUT : de la nielle, de l’émail, de la ronde-bosse, des inscrustations de pierres, de perles et de camées. La provenance royale se comprend aisément (mais quand même, cadeau sympa de la part de Marie-Amélie). Pour plus de bling : J. Viruega sur le bijou néogothique parisien ; A. Dion sur le renouveau de l’émail ; K. Stefanski sur Wagner et son successeur Rudolphi.

8 décembre : chaise de salle à manger, Carlo Bugatti, 1904-1910, acajou et parchemin en partie peint, 114 x 45 x 50 cm, musée d’Orsay

Carlo Bugatti, limite sur les bornes chronologiques, mais tant pis : entre l’Art nouveau parti en vrille, l’inspiration Arts and Crafts ou « mauresque », le kitsch qui nous rappelle les 1970s, ces meubles sont d’un raffinement tellement poussé qu’il en devient décadent. La grande spécialité de ce membre de la dynastie italienne géniale des Bugatti : les meubles couverts de parchemin. Cette chaise est plutôt sobre, avec sa structure en volute rappelle la chaise Cobra de 1902. Mais il affectionne aussi une autre base, plus proche du pliant. (Est-ce que c’est confortable ? probablement pas, comme souvent les sièges 1900. Est-ce qu’on s’en fiche, un peu, là ? oui.) Mais Carlo Bugatti peut aussi partir en live de manière assez prononcée et là on aime encore plus. Il y a même des pompons ! Je pense par ailleurs que ce klaxon grenouille, passé chez Osenat en octobre dernier, mérite un tweet pour lui seul. Le musée d’Orsay a fait une expo Carlo Bugatti en 2001. Comme on ne s’intéresse pas vraiment à l’Italie à partir de 1850, il ne me semble pas qu’il y autre chose… Pourtant, le marché l’aime beaucoup !

9 décembre : déjeuner « chinois réticulé », manufacture de Sèvres, 1840, porcelaine dure, musée du Louvre

Photo © 1987 RMN / Daniel Arnaudet

Un « déjeuner », en vocabulaire des arts de la table, est un ensemble pour une collation légère du matin, en comité restreint, ici comprenant théière, cafetière, pot à lait, sucrier, plateau, jatte et tasses avec leurs soucoupes. Pourquoi chinois ? Par son inspiration formelle, « chinoiserie » toute droit venue de la vision fantasmée de l’Orient du XVIIIe accrue par le XIXe, pleine de bambou, de volutes bleues, de médaillons à fond noir et de motifs quadrilobés. Pourquoi réticulé (= « qui a l’aspect d’un filet ») ? Parce que #PointMerveilleTechnique : les pièces sont faites de 2 couches, une pleine et une en résille. Brongniart explique cela dans son Traité de 1844. La reine Marie-Amélie était fan (celui du Louvre est le sien), elle en a offert une floppée. Mais ils ont aussi servi de cadeau pendant le Second Empire, comme celui-ci offert par Napoléon III et parti à Indianapolis en 2018. Ce qui me plaît particulièrement, outre ce délicat effet de résille et le côté tout-sous-la-main, ce sont les variations de couleurs : rose et blanc (Met’), vert (Détroit), turquoise (Bonhams 2009), bleu ciel (Christie’s 2015), mauve, jaune, bleu foncé (Christie’s 2018), blanc (Drouot), rouge (San Francisco) ! Cette présentation du premier exemplaire produit (a priori), chez Bonhams (2009), est intéressante, même si elle passe le Second Empire (comme tout le monde). L’exemplaire du Louvre était évidemment à l’expo Un Âge d’or des arts décoratifs et Johanna Daniel en avait fait un billet avec de jolis détails.

10 décembre : paire de pistolets, Alfred Gauvain, dessinés par Michel Liénard, 1851, acier, ébène et or, 44 cm, Metropolitan Museum de New York

Photo Metropolitan Museum (New York)

Un peu comme la reliure objet, les armes d’apparat du XIXe ne sont pas bien connues (la technique intéresse plus que l’esthétique). Pourtant, ça dépote, en s’inscrivant dans une longue lignée de « tuons, mais chic ». Dans son coffret, une paire Empire qui a appartenu à Napoléon Ier, conservée au musée de l’Armée. Si c’est surtout du décorum en 1840-1850, l’arquebuserie et son ornement sont très présents dans les recueils gravés des siècles précédents, où l’arme de guerre, de chasse, de prestige a plus d’importance sociale. Ici Liénard fait du Liénard, fourmillant de détails : petites feuilles trilobées, pampres de vigne, reptiles et batraciens, dans un dessin dense mais équilibré. Il suit Gauvain pendant toute l’activité de l’armurier, entre 1836 et 1856, lui apportant le chic de son crayon. Gauvain, comme Moutier-Lepage, Gastinne ou Devisme, profite à fond des Expositions universelles pour se faire de la pub, et ça marche : cette paire est exposée à Londres en 1851 et plaît beaucoup au prince Albert et à Victoria. Cette paire dite Renaissance est reproduite à plusieurs reprises dans la presse illustrée (i.e. l’Instagram de l’époque), avec sa voisine, dite gothique, également au Met. Ce sont les derniers feux de l’arme haut de gamme, avec des pièces pleinement fonctionnelles mais « d’exposition », faites pour attirer la presse et le chaland. Ces « pistolets de duel » se présentent dans des coffrets avec tous leurs accessoires.

11 décembre : fauteuil à bascule, dessiné par Michael Thonet, fabriqué par Kohn, 1876-1883, hêtre et cannage, Art Institute de Chicago

Photo Art Institute (Chicago) by CC0

Ces meubles, qui nous sont très familiers, sont à l’origine un #PointMerveilleTechnique de 1830-1835, années où l’Autrichien Michael Thonet invente un procédé pour courber le bois à la vapeur et fait ainsi le buzz dans les années 1840 et à Londres en 1851. Les meubles de Thonet, économiques et pratiques, se répandent partout, notamment l’iconique chaise de café la « numéro 14 » (1859). L’entreprise est florissante, le brevet d’exclusivité est déposé en 1856, les variantes se multiplient. Mais drame : en 1869, Thonet perd son monopole et c’est la curée, avec une concurrence très efficace, comme J. et J. Kohn, qui, en plus de piquer les modèles, font dessiner leurs meubles par des architectes (comme cette chaise par Adolf Loos). Thonet frères continue, avec une production qui essaye de suivre les goûts plus ou moins sobres du public, mais qui marque un coup d’arrêt avec la première guerre mondiale. La maison existe cependant toujours et produit ces meubles désormais intemporels.

12 décembre : grande salle à manger de l’hôtel de la Païva, 25 avenue des Champs-Elysées, Pierre Manguin (architecte), 1856-1865

Photo MAD (Paris)

Parfum de scandale en ce morne samedi : l’hôtel de Esther Lachmann, par mariage marquise de la Païva, puis comtesse Henckel von Donnersmarck, dite La Païva, grande courtisane du Second Empire, avec une vie évidemment rocambolesque. Dans les lieux qui gardent sa trace à Paris, il y a d’abord cette jolie petite chose place Saint-Georges, très Renaissance 1840, construite par Edouard Renaud et offerte (avec son nom) par son deuxième mari en 1851. On sent déjà qu’il y a du potentiel. Mais entre 1856 et 1865, son amant et futur troisième mari lui fait construire un hôtel sur les Champs par Pierre Manguin, dans un néo-Renaissance plus frais, plus italien, et un luxe inouï qui fait jaser (mais toute pub est bonne à prendre, en l’occurrence !) Comme toute pièce de réception qui se respecte au XIXe siècle, cette salle à manger est dotée d’une cheminée monumentale, ornée d’une sculpture évocatrice par le jeune Jules Dalou (qui commence dans le décor). Si l’hôtel est aujourd’hui un club fermé, la majorité des décors restent, dont le très bling bling escalier d’onyx, et sont bien connus, comme le mobilier d’origine : ces 4 consoles de Dalou et Carrier-Belleuse ou un des cabinets de la chambre par exemple. On aime particulièrement la salle de bain mauresque, avec sa baignoire taillée d’un bloc, son légendaire robinet à champagne et ses mosaïques bleues de Théodore Deck (car Madame sait bien s’entourer). Le MAD a mis en ligne un dossier fort bien illustré au moment de la sortie du livre d’Odile Nouvel, avec notamment des reproductions de l’album de l’architecte, très éclairantes.

(À suivre)


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